Solo Exhibition in Canberra open now! キャンベラ市での個展は後8日！

I was only back in Australia for 10 weeks to the day when I found myself in Canberra setting up my next exhibition with my Dad. (Thanks Dad!)
オーストラリアへ帰国したばかりという気持ちがした10週目のところで、キャンベラでの個展の搬入なんてしていました！

My first solo show in Australia, "The Traces Between" opened on August 6th in the long and narrow space of Gallery 3 at M16 Artspace. The opening was a packed event as three separate shows opened all at once. It was great that the visitors who came to see the group show in the main gallery then drifted through to both mine and Keith Bailey's Solo shows in the two smaller galleries. Hooray for capitalising on other people's friends!
オーストラリアで初ての個展です。キャンベラのM16 Artspaceで細長いギャラリーで展示しています。そのArtspaceにて、三つのギャラリースペースがあって、同時に三つの展覧会も開きます。オープニングにたくさんの人が来ました。

Me explaining some of my work on opening night　オープニングのパーティーで、友人に作品を説明している私。

Yay! other people's friends (plus lots of my friends and family too :))　三つの展覧会が同時に始まるので、三つの作家さんの知り合いや友だちが来るわけ。いいシステムですね！

I called my exhibition the slightly vague and arty sounding "The Traces Between". I wasn't trying to be vague or sound arty (goodness knows I've learnt a whole dictionary of meaningless arty tripe I could roll out if I wanted to). Instead I was referring to a variety of gaps both literal and not.

展覧会のタイトルを「The Traces Between」にしました。訳したら「間の跡」に近いと思います。かなり微妙と思うかもしれないですが、色々な「間」をほのめかしたかったわけです。

One is the physical and visible gap that appears between areas of dyed colour when you use a resist technique like Katazome or Yuzen. In yuzen, that will be where you have drawn fine lines of paste with a metal-tipped tube. They leave behind the colour of the fabric below; white traces. A stencil is used for katazome, so you get a distinctive silhouette-style image. This positive image is merely the reverse of lots of blank gaps and spaces where resist paste was applied.
一つの「間」は、作品に見える防染された間です。友禅の場合では、防染糊の線の所ですね。型染の型紙を通した糊のところは出来上がった作品には、ただの間にすぎないです。

That is to say, resist-paste techniques rely on the preservation of the under fabric and then upon revealing them in the final piece.
つまり、防染糊の技法を使うと、糊が守った生地の色は、完成した作品には跡になります。

Yuzen detail: the writing is where the resist paste was. In the final piece it is just a trace. A blank space.　友禅の防染した文字。染め上がった作品から糊の存在が消されて、跡しか残らない。

In the case of Katazome, the blank negative space forms the image. In between all those gaps, the imagery is brought to life. 型染の場合、余白があるからこそ、イメージが見えてくる。

Another gap I was trying to allude to is the physical space between layers of fabric; the gaps that air can flow through. Since late 2012, I have been layering sheer silks in my pieces, leaving gaps in between them and allowing them to catch the breeze or the draft from an air conditioner.
もう一つの見える「間」は、生地の層のあいだにある空気です。2012年後半から、何枚かの絹を染めて、重ねる作品を作り続いています。この薄くて透明絹が風もちくはエアーコンに振られます。

By not framing my work, or stretching them tightly over a wooden board, they have a sense of life.
縁やパネルを使わないと、何かのイキイキ感がでる気がします。

sometimes the gaps between layers are even big enough to get inside!　2枚を重ねた作品です。時には入れるぐらいの間です！ 

Degradation series from 2014 where I made a point of spacing layers out from each other.　2014年のシリーズでは3枚の絹を重ねて、わざと5センチずつの間で展示してみたら、良い感じでした。

Cross cultural spaces? Australian foliage meets Japanese noren

A non-physical gap is that between Art and Craft. I don't yet know where my work fits in those terms but I get the feeling it's somewhere in between; somewhere on the divide.
作品には見えない間もあると思います。それは「美術」と「工芸」の間。自分の作品はどちらに近いというのがまだわかりませんけど、確かにその真ん中に寄っていると思います。

You could also say that it straddles cultures too, swaying somewhere in the grey area between Australian and Japanese but let us not get carried away with ourselves!　文化の間というのもあると言えるでしょうが、今はあんなに自慢するのをやめよう！笑

This show is a combination of larger works that I completed whilst undertaking my Master's degree in Kyoto as well as a collection of new work. My graduation piece from Kyoto Seika University which features the migration cycle of the endangered Swift Parrot is the centrepiece (it can be helped since it's over 5 metres long!) and it catches the air nicely as people walk by in the space.　
今回の展覧会は、京都で作った大き目の作品と、帰ってから創ってみたもっと小さな作品の組み合わせです。

My Graduation work from Kyoto Seika in March 2015 is the star centrepiece of this show.　京都精華大学の大学院終了作品で作った「オトメインコの渡り」が今回の個展では、メイン作品になっています。5メートル以上なので仕方ないですけど！

Amongst the new work (some of which were completed at very VERY closely to the finish line!) are some small pieces I'm excited about that combine the fine line-work of yuzen with locally sourced natural dyes. In some inital research (much more to be had), I managed to find foliage from three eucalypts found around my suburb and boiled them down to extract some shades of yellow-brown and peachy orange-brown. Then I used those dyes to dye little "portraits" of Eucalyptus blooms and leaves. Haha! see what I did there? it's like a textiles pun or something.
新作の中、近所にあるユーカリから煮出した染料でユーカリのイメージを染めたちいさな作品もあります。まだまだ植物染料について沢山調べないといけないと分かりましたが、はじめての実験としてとてもうれしい結果です。

New small experiments in natural eucalyptus dyes are also on show.

Anyway, the show is on at M16 Artspace in Canberra until Sunday August 23, so be sure to check it out if you are in town. Otherwise, look forward to more photos after the show is complete!
さて、個展は8月23日までです！終わったらまた写真をアップしますから楽しみにしてください！

ROKKAN Exhibition - Some・Seiryukan - 6人6感 染・清流館

Time has flown and before we knew it we were taking the show down again!

あっという間に展覧会が終わって、気づいたら搬出しているところだった。

For the month of November, I was part of a six person group show "ROKKAN" at a dyeing-specialist gallery in Kyoto called "Some Seiryukan". It was part of a regular series of exhibitions that highlight up-and-coming artists working in dyeing techniques. This time around, Katazome Artist and Kyoto Seika Professor Toba Mika was the director, choosing the 6 participants and overseeing the event. 

11月中、京都の「染・清流館」という染め専門ギャラリーで六人のグループ展「Rokkan」に参加させていただきました。毎年開催されている「将来を期待される新鋭染色作家展」というシリーズの展覧会で、今回の監修鳥羽美花先生でした。

Toba-sensei brought the 6 of us young artists together because we all utilise traditional dyeing techniques but we use them in fresh and interesting ways. As a group we covered the breadth of rōketsu wax dyeing, hand-drawn line resist (itome-nori), clamp resist dyeing （itajime), katazome and yuzen.
私たちを集めてくれた理由は、六人とも伝統的な染め技法を使用していることだったそうです。それで、昔ながらの技法でありながら、自分なりに用いていることが私達の共通点でした。ロウケツ・筒書き・型染・友禅・板締　という幅広い技法で制作しているグループです。

For this show, I displayed two new works (!!) and one earlier piece; my wild budgies "Murmurations" piece. In both of the new works I tried to achieve an effect of depth and movement using multiple and overlapping layers of semi-transparent fabrics.
今回大きい作品の3点も展示しました。2点は新作で、もう一枚は7月にできた「Murmurations」の作品でした。新作では、薄い生地を染めることによって、奥行きや動き感を表そうとしました。

With the smaller new piece, "Canberra Blues", I dyed 3 layers of silk (organza and georgette in the front and shantung as the back layer) and combined both yuzen and katazome. I used katazome to create areas of bold leaf silhouettes and then yuzen to echo these branch shapes as well as include more delicate leaf details. There is one little bird in the piece (A Yellow-throated Gerygone) but this time I was more interested in the lively curves and shapes formed by the "eucalyptus cinerea".

「Canberra Blues」　2014 Katazome and Yuzen on Silk. 150 x 150 x 10cm

一枚の新作は「Canberra Blues」という作品でした。この作品では、三層の絹地（オーガンジー、ジョージェット、シャンタン）を型染と友禅の両方で染めました。型染で背景のしっかりした枝のシルエットを染めました。友禅で、前に出ている細かいところを染めました。一匹の鳥がいますが、今回は鳥の環境という絵よりも、このユーカリの葉っぱの形と枝の流れを描写したかった作品です。

Detail of the layers of silk. Here, yuzen at the front and katazome at the back. 絹の層が見えます。前に友禅で、裏の絹に型染です。

There are many of these gum trees around Canberra; they are often used as street-trees and on median strips. Because of the blue-green foliage, I had been mistakenly calling them blue gums but they are actually called "argyle apple" or "silver dollar" gums. My title refers both to these (mistakenly named) trees and the way that they are so evocative of Canberra as to make me a little homesick.

detail of "Canberra Blues" 2014. Yuzen and chemical dyes on silk organza

キャンベラでは、このユーカリがよく街路樹として使われています。葉っぱは柔らかい青緑なので私はずっと「Blue-gums」（青のユーカリ）と呼んでいたんですが、本当はそうではなく、「Argyle Apple」や「Silver Dollar」（葉は硬貨の様に見えるから）と呼ばれているらしいです。

"Canberra Blues" 2014 detail of layers.

The largest work I had on display was this work depicting Little Corellas in flight. The white Corellas are whipping up into a flock and streaking across a warm, dusty Australian sky. Though it didn't come through strongly in the final piece, I was inspired by the use of dusty washed-out colours as seen in Australian Impressionist paintings, from the 1890's.
今回私が出した作品の中、このアカビタイムジオウムをモチーフにした作品が
一番大きかったです。イメージは、夏の暖かい空を飛び上がるオウムの大群です。出来上がった作品では、あまり分からないですが、色合いは1890年代から活動していた「オーストラリア印象派」にインスピレーションを受けました。その画家たちは、当時の洋画によく見えたヨーロッパの鮮やかな緑や雲っている空を否定して、初めてオーストラリアの独特な光や色をそのまま表現しようとしていた派でした。結果として、オーストラリアの印象派の絵では、乾燥した草の薄い茶色、南半球の空の暖かな青、内地の土の濃い錆色、眩しい日差しの金などがよく使われました。

"Shatter the Immense Summer Sky" 2014 Yuzen and own techniques on Cotton organza. approx 450 x 180 cm
友禅、独自染方、綿オーガンジー　約450x180センチ

I really liked these quotes from two of the most famous Australian Impressionist painters about our unique light and colours.
オーストラリアの印象派作家による気に入った言葉が見つけました。通訳しにくいですが、オーストラリアの特有の色と陽射しについて書いていました。

Frederick McCubbin, writing to Tom Roberts

"I fancy large canvases all glowing and moving in the happy light and others bright, decorative and chalky and expressive of the hot trying winds and the slow, immense summer"　 

Also Arthur Streeton, writing at the group's countryside painting camp

"I sit on our hill of gold,...the wind seems sunburnt and fiery...north-east the very long divide is beautiful, warm blue far far away all dreaming and remote...Yet as I sit here in the upper circle surrounded by copper and gold...all the light, glory and quivering brightness passes slowly and freely before my eyes"　

I can easily imagine this scenery of being "surrounded by copper and gold". You can see this kind of sunburnt, toasted, sunlit landscape anywhere around the A.C.T or country NSW. 上の「アーサー・ストリートン氏」（オーストラリア印象派の代表的なメンバー）が書いた「銅・金色に囲まれて」というような風景はすぐ想像できます。キャンベラの周りでも、乾燥している草や山々が見えるから、どこか懐かしいものです。

Detail of the work, hanging in 5 seperate panels.

Although this piece was made in a ridiculous rush I had fun using some different techniques to dye the background. I dabbed coloured nori resist paste onto the fabric with a stiff brush in diagonal lines and also used semi dry brushes to create streaky lines at intervals. I hope I managed to create a sense of movement and lead the eye across the piece.

In this detail you can see the dots of coloured resist paste I dabbed on using a stiff scrubbing brush and the diagonal streaks of dye. たわしで載せた色糊や斜めの線が見えますかね？

この作品を作るペースはめちゃくちゃハードでしたが、（今まで一番しんどかったかもしれない！）ちょっと変わったやり方だったので楽しかったです。風や砂埃を表現するように、たわしで色糊を斜めに置いたり、染料を斜めに暈したり、かすかすの刷毛で線を引いたりしました。動き感を出したかったです。それと、目線が自然に左から右へ移動するよに工夫しました。

Entry to Rokkan Show. You can see work by Yuri Ohmura to the left and Haruka Masuda on the right. Rokkanの入り口にて。左で見えるのは大村さんの作品で、右は増田さんの型染作品です。

ROKKAN was a huge learning experience! Some-Seiryukan is a gallery I have been going to for 5 years or more and was always impressed with what I saw. Many of the great Sensei's of dyeing in Japan from the 70's or so onwards have shown work there. I never expected that I'd be showing my own work there one day! I also feel very privileged to have been the first (As far as I can tell!?) foreigner to be included in a show there.

My work and Masuda-sans work in the space.

「ROKKAN」はとても勉強になりました。 染・清流館は長い間行っているギャラリーで、沢山の偉い染めの先生の作品があそこに展示されていますので憧れの所でした。まさか私の作品もあそこに展示されるなんて思わなかったです。私が知っているかぎり、染・清流館で出品する初めての外国人作家でした！（嘘でしょう！？）それはとても感謝していることです。

Panorama shot  taken inside the gallery. From L-R, Yamamoto Aiko, Mine, Saya Okura. 

It was also my first time participating in an Artists talk event in Japanese, having to talk about my work and even answer questions from the audience! Whilst I can hold every day conversations in Japanese and write what I want to say, this kind of Ad-lib Japanese is definitely not my strong point!! Even though I tried to be prepared and practised some answers for potential questions, I was SO nervous and my Japanese ended up sounding very broken and sing-song. If you feel the desire to hear just how akward it was, here's a link to the talk show!

http://someseiryu.net/mp3/20141101.mp3

日本語で大人数のアーティスト・トークイベントで話すのも初めてでした！日常会話が平気なんですけど、こういうアドリブという形は凄く苦手です！友達が親切に準備に手伝ってくれましたのに、本日マイクを握るととても緊張してしまって、日本語があんまりスムーズに出なかったですが。気になる人、うえのリンクでトークショー全体聞こえます。

Something I really took away from this exhibition experience was how conservative Kyoto can still be. In particular, the dyeing circles in Kyoto are still very stuck in their ways and seem to have trouble welcoming the new generation into their midst. During the artists' talk there was an incident (which was carefully edited out of the audio above) where one of these Nonagenarian Kyoto Dyeing World gatekeepers (who feel it their appointed duty to protect the past) stood up and let the whole room know his opinion in no uncertain terms. His view basically (which could have been said with much less anger and in a far more subtle moment) was that even though we are young and innovative artists, we have to do things the way they have always been done at that gallery. Don't go try and do fancy things with technology or creativity or we'll get confused. We were just trying to play this movie we had made ourselves in the background of our talk.

この展覧会に学んだのは、京都での染め世界はまだとっっっても保守的という事実です。京都は昔から着物の産地だったという歴史はまだ大きく影響されていると思いますが。
ギャラリートークの途中、上のオーディオから上手く削除された出来事は起こりました。勝手に「自分が京都の昔からある染め世界を守らないといけない」と思っているそうなおじさんが、トークを聞きに来たみんなの前で怒って、自分の意見を叫びました。彼の意見は（うるさく言わなくてもよかったのに）、私たちは若くて、面白い形のトーク（自分たちで作った映像を流しながら話すって形）をやろうとしていても、このギャラリーがいつも開いているトークと同じようにしないとだめ、ということでした。

「染め」を現代にも続いてほしかったら、こういう旧派的な考え方どうするの？
If the older generation wants to see their beloved field of Dyeing, which they have dedicated their lives to, to continue into the future, what's with stubborn opinions like this? I guess there is this kind of resistance in the progression and change of any tradition or field. This guy really made me angry but it has given me something to think about in terms of what it means to work in a traditional technique.

onwards and upwards! My graduation work will feature Swift Parrots 卒業作品の準備最中です！今回はオトメインコをモチーフにします！

とにかく、次の作品を作らないといけないです！今卒業作品のデザインを終わるところです。型彫や染めの段階に楽しみにしています！卒業作品では、絶滅危惧種のオトメインコやユーカリをモチーフにします。楽しみにしてください！^^
ANYWAY! Onwards and upwards! The next deadline, which is fast encroaching, is my Graduation Artwork! Hard to believe I'm already making work for graduation for the Master's course! It feels like I only entered the course yesterday. I'm currently finishing the design and itching to start the hands-on part! My work will revisit the Endangered Swift Parrot and it's love of the "floriferous" Eucalypt blossoms. Watch this space!